Nie ma uniwersalnych modeli świata. Fotografia abstrakcyjna autorstwa josha adamsky'ego

W moskiewskim środowisku kulturowym trudno zaskoczyć abstrakcyjną fotografią, ale jednocześnie wciąż nie ma stabilnego kierunku, który byłby rozpoznawalny i mógłby się głośno zadeklarować. Może to wynikać z wszystkiego, ale nie z braku błyskotliwych fotografów, zwłaszcza jeśli mówimy o Moskwie. Niniejszy artykuł jest próbą przełamania istniejącej luki informacyjnej w tym kierunku. Być może tak przywykliśmy do lęku przed czymś niezwykłym, że próby przełamania ustalonych ram w jakiejkolwiek dziedzinie odbierane są jako bunt i coś wrogiego.

Abstrakcja, w tym fotografia abstrakcyjna, to właśnie odrzucenie normy, jak kajdan, które powstrzymują artystę. Taka była m.in. sztuka Man Raya, Georgi Kepesha i Moholy-Nagy. W pewnym momencie poczuli się ciasno w zwykłych gatunkach, chcieli uciec od niekończących się pejzaży i portretów. Sama fotografia szybko rozwinęła unikalne sposoby uzyskiwania obrazu, takie jak solaryzacja, fotogram, izohelium, autograf. A teraz, wraz z pojawieniem się technologii cyfrowych, które dają ogromne możliwości przetwarzania obrazu, obserwujemy modę na fotografię, ale jednocześnie sztuka abstrakcyjna pozostaje czymś elitarnym i niedostępnym. Fotografia współczesna ewoluuje w tempie XXI wieku i nie może się doczekać dojrzałości publiczności. W tym względzie zwraca uwagę odmienność od ogólnego trendu powstałego niedawno Stowarzyszenia”. fotografia abstrakcyjna„Ecole d'essai zdjęcie”.

Pod auspicjami „Ecole d`essai photo” ośmiu fotografów zjednoczyło się, a związek ten wciąż się powiększa o nowych członków. Dla stosunkowo Krótki czas odbyły się już trzy wystawy, z których każda wniosła do życia kulturalnego stolicy nowe rozumienie współczesnej fotografii i abstrakcji jako takiej. W marcu 2016 roku ich prace były wystawiane w Centrum Sztuki Współczesnej Zverev, w maju - w Galerii LitKabinet, w sierpniu - w Centralnym Domu Architektów.

Członkowie Stowarzyszenia: Georgy Avetisov, Viktor Vinokurov, Alexander Gusiew, Dmitrij Zolotarev, Vladimir Alexandrov, Anna Basova, Svetlana Ivushkina, Alla Andersen - ich prace są wyjątkowe i wyróżniają się wspólnym pragnieniem poszukiwania nowych form i nadawania nowych znaczeń te ustalone. Co przyciąga sztukę abstrakcyjną, a co współcześni artyści chcą przekazać widzowi? Aby to trochę zrozumieć, zwracamy uwagę na wywiad z niektórymi członkami Stowarzyszenia: Georgy Avetisov, Dmitrij Zolotarev, Anna Basova.

Wywiad z Georgym Avetisovem (absolwent MGUKI, muzyk, fotograf, członek TSHR)

Cześć George. Mówią o Tobie jako założycielu Stowarzyszenia Fotograficznego, więc od razu chciałbym zadać kilka fundamentalnych pytań z tym związanych. Jednocześnie obawiam się, że zwykły format komunikacji może nie być odpowiedni. W końcu fotograf często używa aparatu fotograficznego, aby opowiedzieć światu o sobie, a teraz postaramy się zrobić to samo, ale w gatunku wywiadów. Co najlepiej powiedzieć fotografowi, aby w ten sposób wyrazić swoją kreatywność? W końcu pytania bezpośrednie nie zawsze nadają się do odzwierciedlenia subtelnych motywów świadomości i nie każdy jest gotowy, aby stać się jasną i precyzyjną odpowiedzią.

Tak czy inaczej, każdy twórca opowiada światu o tym, co ma w środku. Wybiera tylko formę opowieści. Nie sądzę, że tak można w rozmowie wyrazić swoją wizję świata. Słowa są często puste lub odwrotnie, wywiad jest pełen krytyki sztuki lub terminów filozoficznych. Staramy się tego unikać i nie wnosić do rozmowy o kreatywności dodatkowych rozkoszy literackich. Twój pogląd na świat powinien być przedstawiony na zdjęciach lub wskazówce lub małej wskazówce, bez ostatecznego rozszyfrowania.

Dobra. Spróbujmy porozmawiać bez zbędnych „piękności”, ale zapytajmy wprost: kiedy pojawia się chęć stworzenia czegoś abstrakcyjnego? Z czym związane jest pierwsze doświadczenie w tym gatunku?

Prawie zawsze istnieje pragnienie, ale nie zawsze jesteś w stanie natchnienia, w którym możesz sobie pozwolić na zanurzenie się w tym nieoczekiwanym świecie bez oglądania się za siebie. Dużo przeszkadza: zwykła forma przedmiotów, tradycje, inercja myślenia, wątpliwości – ale czy to zadziała? Tak. Zawsze pojawiają się wątpliwości: czy to właściwy obraz, czy jest w nim jakaś wewnętrzna treść i rozwój. Ale kiedy „puścisz” siebie, zaczynasz widzieć.

Zacząłem od abstrakcyjnej natury, kiedy kręciłem filmy. Fascynował mnie stan poszczególnych liści, gałęzi, źdźbeł trawy, ich indywidualność, zwykle niewidoczna wśród milionów tego rodzaju. Kręcone przez trzy lata, starannie dobrane fotografie.

Okazało się, że jest to duża i dość nietypowa seria. Wszystko w nim jest takie przewiewne, dziewicze, poetyckie. Z natury jest bliski impresjonizmowi, takiej naturalnej grafice i grze światła i koloru. Potem próbowałem dalej pracować w tym kierunku, ale okazało się, że już tam wszystko znalazłem i samopowtórzenia już się zaczęły. Dopiero dwa lata później przeniosłem się do miasta, gdzie niespodziewanie odkryłem wiele ciekawych materiałów, niewidocznych w codziennym zgiełku. Stało się to w Paryżu. Już w Moskwie przejrzałem nagranie i zorientowałem się, że jest tu coś nowego. Zacząłem o tym myśleć i nad tym pracować. Tak powstały moje pierwsze miejskie abstrakcje.

Nie każda osoba w Rosji, nawet w XXI wieku, jest w stanie dostrzec sztukę abstrakcyjną. Jaką percepcję powinien mieć idealny koneser fotografii abstrakcyjnej i jaki wpływ estetyczny ma na niego mieć? Czy jest tam element duchowy?

W Europie bardzo popularna jest sztuka abstrakcyjna. Przynajmniej jeśli chodzi o dekorowanie ścian mieszkań i domów. Nasz jest znacznie gorszy. Ludzie chcą zobaczyć coś rozpoznawalnego: portrety, martwe natury, pejzaże, sceny miejskie. Myślę, że nie trzeba mieć szczególnej podatności, aby oglądać abstrakcyjne fotografie. To wszystko na poziomie fantazji i emocji. W końcu wiele naszych prac odnosi człowieka do pewnego prymitywnego stanu lub do dzieciństwa, kiedy fantazja nie zna granic i każdego dnia odkrywa się coś niezwykłego i ekscytującego.

Teraz o duchowości. To trudne pytanie. mogę powiedzieć zabawna historia. Jakieś trzy lata temu, z moim cyklem o abstrakcyjnym charakterze, poszedłem do moskiewskich galerii i zaproponowałem zorganizowanie wystawy. A od jednej właścicielki galerii usłyszałam następujący wniosek o moich pracach: „Są piękne, szczere, ale nie uduchowione”. Zrozum, jak chcesz!

W malarstwie abstrakcyjnym głównymi obiektami sztuki były figura (kubizm, abstrakcja geometryczna) i kolor (rajonizm, suprematyzm), poprzez które artysta przekazywał swoją wizję świata. Jaki uniwersalny model świata wyraża fotografia abstrakcyjna?

Trzeba to wyjaśnić. W malarstwie abstrakcyjnym nie występują figury, ale geometryczne kształty i zestawienia kolorystyczne. Suprematyzm charakteryzuje się kombinacją wielobarwnych płaszczyzn i znowu najprostszych kształtów geometrycznych - linii, kwadratu, trójkąta, koła. Jak widać, kolor i linie są na pierwszym miejscu. To samo dotyczy fotografii abstrakcyjnej. Oczywiście przycisku aparatu nie można stawiać na równi z pędzlem i dłonią artysty. Pod tym względem fotograf jest znacznie bardziej ograniczony w przedstawianiu swojej wizji świata. Dlatego wzywa do pomocy technicznej obróbki obrazu. Nie ma znaczenia, czy odbywa się to w analogowym studiu fotograficznym, czy na domowym komputerze. I nie ma uniwersalnych modeli świata. Fotograf opiera się wyłącznie na swoich odczuciach, doświadczeniu, rozwiniętym guście i wykształceniu. Na przykład świat fotografa technicznego jest bardziej konstruktywistyczny niż świat fotografa-muzyka. Będzie więcej emocji i improwizacji.

W tym przypadku od razu pojawia się pytanie: jakie tematy są Ci najbliższe w fotografii abstrakcyjnej?

Fascynuje mnie gra polegająca na znajdowaniu i odszyfrowywaniu wiadomości znikąd, które czasami znajduję w różnych miastach. Z reguły są to ślady niektórych zwierząt lub twarze ledwo widoczne przez warstwę farby, lub jakieś dosłownie kosmiczne bitwy lub sceny biblijne na metalowych lub kamiennych powierzchniach. Są krótkotrwałe, a następnym razem, gdy odwiedzisz to samo miejsce, ryzykujesz, że niczego nie znajdziesz. Dlatego należy zwracać szczególną uwagę na wszelkiego rodzaju drobiazgi.

Czy wasze prace były wystawiane i jak publiczność przyjęła wasze wystawy?

Odbyliśmy już trzy wystawy, a wszystkie miały miejsce w 2016 roku. Śmiało mogę powiedzieć, że zainteresowanie było duże. Wielu po prostu zastanawiało się: co to jest, skąd, skąd taka fantazja, takie niezwykłe techniki? Najprzyjemniejsze jest to, że dość czcigodni fotografowie byli mile zaskoczeni, że podjęliśmy i pomyślnie zrealizowaliśmy nasze fantazje w tak złożonym gatunku - fotografii abstrakcyjnej. Wszyscy życzyli nam powodzenia i to uspokaja.

Rozumiem je. Chcielibyśmy również „wniknąć” głębiej w Twoją pracę. Na przykład, aby zrozumieć: czy fotografia oznacza uchwyconą chwilę, czy jest to nastrój inspirowany długim okresem czasu?

To nie chwila, to nie nastrój. Jeśli znajdę fabułę, mogę długo stać i patrzeć na nią, próbując zrozumieć ukryte w niej treści. Potem mogę poczekać na odpowiednie oświetlenie, zrobić jedno ujęcie, dziesięć minut później - kolejne.

Cały czas myślę o tym, jak to będzie wyglądało w ostatecznej wersji. Czasami odpowiedź nie przychodzi od razu i trzeba to przemyśleć już w domu. Najczęściej fabuła ma już nastrój, w przeciwnym razie nie zwracasz na to uwagi i idziesz dalej ulicą w poszukiwaniu nowego.

Na wystawie „Dekonstrukcja ß” powiedziałeś, że próbujesz uciec od rozpoznawania na fotografii znanych obiektów: domów, codzienności, twarzy; porozmawiaj o tym, jak to jest sposób na odejście od tradycyjnej kreatywności. Czy Twoje motywy twórcze to bardziej odrzucenie otaczającej rzeczywistości, czy bardziej poszukiwanie nowych dróg rozwoju?

Rzeczywistość już nikogo nie interesuje. Możesz zobaczyć, jak ludzie zniekształcają obrazy na tym samym Instagramie. Nawet na zdjęciach domowych i codziennych nakładają pewne linie, kropki, przetarcia, łamania obrazu, przekręcają kolor, zamieniają obraz na sepię lub czarno-biały… Każdy chce uzyskać coś oryginalnego, inaczej niż nawet ze zwykłego zdjęcia. Robią to błyskawicznie, korzystając z gotowych wtyczek. Po prostu dobrze się bawią i nie ma w tym żadnego poszukiwania. Poszukiwanie zaczyna się, gdy, powiedzmy, przechodzisz od tańca do piosenki i od piosenki do muzyki. Fotografia już dawno przestała spełniać swoje podstawowe funkcje, m.in. transmisja filmu dokumentalnego. Dlatego możemy powiedzieć, że poszukujemy nowych dróg rozwoju tego gatunku.

Co myślisz o kliszach w fotografii abstrakcyjnej? Jak to możliwe, gdy mamy do czynienia z indywidualną postawą artysty?

Jestem przekonany, że fotografia klisza i abstrakcja nie dadzą się pogodzić. Zakładam, że w nowoczesny świat ze względu na obfitość informacji (m.in. duża liczba fotografów i fotografii) trudno uniknąć powtórzeń. Jeśli podążanie za stereotypami pozwoli fotografowi szybciej odnieść sukces, to jego droga. Oczywiście niezależna indywidualna świadomość jest całkowicie niemożliwa. Chyba tylko na bezludnej wyspie... Wszyscy oglądamy filmy, obrazy, fotografie. Tutaj ważne jest, aby być ze sobą szczerym i nie pozwalać sobie na szpiegowanie innych, na kompromisy w imię wyimaginowanej popularności.

Co świat straci bez fotografii abstrakcyjnej?

Nie będzie mógł tego stracić, bo umiejętność abstrakcyjnego myślenia jest jedną z Cechy wyróżniające osoba.

Wywiad z Dmitrijem Zolotarevem (absolwentem Moskiewskiego Uniwersytetu Państwowego, konserwatorem, fotografem Państwowego Muzeum Historycznego)

Witam Dmitrij. Jesteś znany jako fotograf-abstrakcjonista, ale zawodowo zajmujesz się również restauracją w Państwowym Muzeum Historycznym. Jakie jest Twoje hobby i jaka jest praca Twojego życia?

W życiu były już trzy rzeczy: geologia, profesjonalna fotografia i restauracja. A równolegle z tymi działaniami zawsze była pasja do fotografii „dla duszy”: poszukiwanie, nieodpowiedzialne, w dobry sposób.

Obecnie trudno jest urzec młodych ludzi czymś dla „duszy”, zwłaszcza w kilku sferach jednocześnie. Znając Was, można się domyślić, że były jeszcze inne zajęcia, bo w tym czasie dzieci aktywnie działały w różnych kręgach i sekcjach. Co z tego pozostało i wpłynęło na twórczą ścieżkę?

Fotografię, podobnie jak wielu moich rówieśników, zaczęliśmy studiować pod kierunkiem naszych tatusiów i dziadków jeszcze w Liceum. Przechwycone niemieckie aparaty były dostarczane od dziadków, ojcowie ostrożnie wręczali nam swoje ukochane Zenithy i Federalni. Ale nie wyobrażaliśmy sobie fotografii jako zawodu. No bo jak można w latach 70. i 80. porównywać fotografa z marynarzem, pisarzem, fizykiem, muzykiem rockowym, dyplomatą, lekarzem? Reszta hobby była wspólna dla chłopców tego pokolenia. Czytanie, muzyka, lutowanie żarówek, znaczki, dziewczyny, hokej, akwaria itp. Prawdopodobnie każde przeżyte doświadczenie wpływa w takim czy innym stopniu na wybrane ścieżki, w tym na kreatywność.

Jak scharakteryzować swoje prace - jako rodzaj natychmiastowego odzwierciedlenia stanu wewnętrznego, czy ściśle skonstruowaną kompozycję, przemyślaną i stworzoną w określonym czasie, spełniającą postawione zadania twórcze?

Nie ulega wątpliwości, że wszystkie prace z cyklu Nowy Kalejdoskop to improwizacja „zatrzymaj się na chwilę!”. Technologia fotograficzna samego projektu sprawia, że ​​każdy obraz jest wyjątkowy, chwilowy. Rama jest tylko odwzorowaniem stanu wewnętrznego w danym momencie. Dzień później fabuła mogłaby być wykonana w zupełnie innej kolorystyce, na przykład performance.

Człowiek, odbierając przedmioty sztuki, zawsze poszukuje logicznych motywów w każdej pracy, nawet w abstrakcjonizmie. Czujesz wewnętrzną logikę każdej pracy, ale dość trudno jest przekazać pojawiające się uczucie w języku. Wydaje mi się, że jest pewien konflikt – kształty, kolory, linie, ale tymczasem każda fotografia wyraża swoje znaczenie. Czy mógłbyś to wyjaśnić, czy Twoje zdjęcia wchodzą w interakcję z odbiorcą w inny sposób, gdzie pomysł autora nie jest tak ważny?

Szczerze mówiąc, kiedy robię zdjęcie, nie szukam w nim sensu. Jeśli podoba mi się połączenie wszystkiego na zdjęciu, wciskam spust migawki aparatu. Czasem pojawiają się jakieś skojarzenia, ale nie dopasowuję ramy do nich. Nie zmuszam. Nie narzucam znaczenia ani sobie, ani potencjalnemu widzowi. Z reguły każdy widz widzi na zdjęciu swój wizerunek i lubię się tym dziwić. Wielu, w tym ja, nie znajduje żadnego sensu w pracach. Po prostu uwielbiamy kombinację wszystkiego na papierze fotograficznym. Taka osobliwa gra w analizę wyłączania. Lubię pracę, ale trudno wytłumaczyć co dokładnie. I ta tajemnica jest fascynująca. Może coś w rodzaju miłości...

Czy zdarza się, że abstrakcja się nudzi i chcesz czegoś bardziej dostępnego?

Nie przeszkadza. Lubię robić klasyczną fotografię: krajobrazową, inscenizowaną itp. Każdą fotografię twórczą traktuję jako eksperyment, który może zaskakiwać, uspokajać, denerwować swoimi wynikami, w ogóle zdolny do wielu.

Dla sztuki istotnym kryterium jest przede wszystkim nowość. Szukasz czegoś nowego w fotografii abstrakcyjnej? Zapoznałeś się z nowymi lub już uznanymi pracami?

Jestem zainteresowany możliwości techniczne fotografia, która często prowadzi do odkrycia nowego narzędzia wizualnego, a nawet nowego pomysłu twórczego. Po uzyskaniu dla siebie interesującego wyniku staram się uświadomić sobie estetyczną podstawową przyczynę satysfakcji z pracy. Ale często tego nie robię i po prostu dalej eksperymentuję.

Wywiad z Anną Basovą (profesjonalny fotograf, projektant, członek TSHR)

Jesteś młodą i błyskotliwą artystką, która ma na swoim koncie ponad 13 wystaw. W związku z tym ciekawie byłoby poznać Twoją opinię na temat właściwości talentu: po pierwsze, czy jest to dar czy naturalny rezultat pracy? Jakie cechy powinien mieć utalentowany fotograf?

Skomplikowany problem. Wydaje mi się, że najsłuszniej byłoby uznać to za połączenie dwóch czynników: ciągłej chęci uczenia się nowych rzeczy, a co za tym idzie, uczenia się i podejmowania wysiłków na rzecz osiągnięcia rezultatu oraz własnej „wizji” świata. Na przykład zawsze byłem zdumiony, że w obecności masy podobnych zdjęć atrakcji świata zawsze można znaleźć nowy kąt widzenia i nowy punkt widzenia na ten sam obiekt. Ale nie zawsze jest to łatwe. To swoiste „dzieło” artysty.

W Twoich pracach widoczne są motywy ludzi, miasta i przyrody. Dlaczego nagle chciałeś spróbować fotografii abstrakcyjnej?

Nigdy nie ukrywałam, że początkowo jestem portrecistką i pracuję początkowo w dziedzinie ilustracyjnej fotografii inscenizowanej. Ta preferencja spowodowana jest miłością do literatury, kina, muzyki figuratywnej. Ale przestrzeń twórcza nie jest jednowymiarowa. Czasami, aby wyrazić uczucia, spróbować ucieleśnić coś iluzorycznego i nieuchwytnego, nie wystarczy inscenizacja. Co więcej, jedno może współistnieć z drugim, a nawet wzajemnie się uzupełniać. Często sięgam po techniki fotografii abstrakcyjnej w ramach prac portretowych i cykli. Nie widzę powodu, by się w tym zakresie ograniczać.

Kiedyś szedłem z córką do szkoły w zimowy poranek, a ona przypadkowo nacisnęła przycisk aparatu telefon komórkowy, z którego uchwycono piękny zimowy kadr: ośnieżone drzewo, domy, droga, tramwaj, przechodnie na tle padającego dużymi płatkami śniegu. Jest jeszcze inna historia, kiedy młody mężczyzna na paradzie 9 maja zrobił przypadkowe zdjęcie płaczącemu weteranowi (sam młody człowiek chciał zrobić coś w rodzaju selfie), a to zdjęcie zostało wtedy zwycięzcą konkursu fotograficznego i wzięło udział w wystawy poświęcone Wielkim Wojna Ojczyźniana. Jaki, Pana zdaniem, wpływ na sztukę miał skok technologiczny w dziedzinie fotografii, tzw. przejście na „cyfrowość”, rozwój Internetu i fotoedytorów? Jak odróżnić amatora od artysty, skoro technologia pozwala temu pierwszemu na naśladowanie zarówno jakości, jak i oryginalności wyglądu?

W dziedzinie fotografii z zadowoleniem przyjmuję wszelkie postępy. To po prostu daje nam więcej miejsca na kreatywną kreatywność. Nie pochwalam jednak nadmiernej pasji do fotoedytorów np. w fotografii portretowej. Lub po prostu klasyfikuję to jako ilustrację, sztukę cyfrową. Jeśli chodzi o drugie pytanie, może to zabrzmieć trochę surowo, ale amatora od zawodowca zawsze wyróżnia „przypadek” wyniku. Profesjonalista nawet w fotografii ulicznej za chwilę, celując w kadr, zdąży wszystko zauważyć: jak pada cień, z której strony pada światło, odblaski, jak wykadrować kadr.

Opowiedz nam o swoim udziale w wystawach fotografii abstrakcyjnej. Jakie oczekiwania były uzasadnione, jakie nadzieje pozostały nadziejami? Czy jest jakaś różnica w porównaniu do bardziej tradycyjnych wystaw fotograficznych?

Nie było żadnych oczekiwań jako takich. Po prostu interesuje mnie udział w ciekawych projektach, popieram ten kierunek jak tylko mogę. Z wystawami nie obyło się bez problemów, ale to naturalne. Uwierz mi, żadne takie wydarzenie, nawet jeśli odbywa się po raz setny, nie jest kompletne bez nakładek i zamieszania. Różnica polega na pewnym ogólnym nastroju i duchu, który trudno opisać. Przytulny i filozoficzny jednocześnie. Ludzie nie boją się wyrażać swoich opinii i dzielić się wrażeniami.

Jaka jest Twoja pasja do fotografii i kiedy zdałaś sobie sprawę, że stało się to Twoim powołaniem? Jak poważnie możesz teraz traktować sztukę?

Dość długo zajmowałem się malarstwem, poszedłem nawet do szkoły artystycznej, ale nie wyszło. Następnie instytut, zespół muzyczny. Malowanie nadal zajmuje więcej czasu. Na początku w moje ręce wpadło tylko „mydelniczka”, potem „Zenith” mojego ojca. Swoją drogą to właśnie doświadczenie w obsłudze filmu bardzo ułatwiło mi dalsze szkolenie. Ponieważ po prostu nie może być bardziej wizualnego „symulatora” do wypracowania podstaw. Moje próby przerodziły się w coś poważnego, kiedy zdecydowałam się celowo udać na kursy Marianny Kornilovej. Od razu zacząłem od fotografii portretowej. Sztukę można traktować tak, jak lubisz, w ramach indywidualnej percepcji.

Fotografia jest w dzisiejszych czasach bardzo popularna, więc wiele osób, które kiedykolwiek wzięło do ręki aparat z kreatywnymi impulsami, od razu zaczyna się martwić pytaniem – kogo to może zainteresować? W związku z tym chciałbym poznać Twoją opinię: co oznacza dla Ciebie wyrażenie „fotograf mody” i czy są jakieś historie sukcesu w dziedzinie fotografii abstrakcyjnej?

Fotograf mody to chwiejny pomysł, dziś jesteś modny, jutro wyjdziesz z mody. I to jest naturalny proces. Najczęściej są to profesjonaliści, którzy zarabiają. I działa w obie strony. Zarabia sam fotograf, a ci, którzy go zatrudniają lub kupują zdjęcia. W dziedzinie fotografii abstrakcyjnej jest wiele historii sukcesu: Thomas Ruff, Laszlo Moholy-Nagy, Wolfgang Tillmans (otrzymał jedną z najbardziej prestiżowych nagród w dziedzinie sztuki, nagrodę Turnera).

Czy starasz się bardziej popracować z naturą lub przetworzyć uchwycony moment w edytorze graficznym? Co to daje?

Natura jest nadal najważniejsza. Staram się od razu zrobić ramę, która jest jak najbardziej zbliżona do wyrazu ostatecznego pomysłu. Ale jeśli wyobraźnia prosi, żeby coś zmienić, nie odmawiam.

Jest wiele ulubionych zdjęć, jeśli przyniesiesz konkretne przykłady Wypełnię cię linkami. Wszystkie należą do różnych gatunków. To nie tylko fotografia abstrakcyjna czy portretowa. Podziwiam każdy chwytliwy strzał, który ma w nim punktum. Najdokładniej opisuje to książka Rolanda Barthesa „Camera Lucida”. Kocham japońskich fotografów, zawsze mają niepowtarzalny widok na świat, są zwróceni nie tylko na zewnątrz, ale i w siebie. ślimaki lub ciasto francuskie, wiele podtekstów.

17.10.2015

Fotografia abstrakcyjna jest rodzajem sztuki, pokazuje rzeczy nie w zwykłym, znanym wielu znaczeniu, ale w nieoczekiwanych kolorach, kształtach i liniach. Fotograf musi wyabstrahować stereotypy, pokazać inną rzeczywistość, tylko wtedy będzie mógł z punktu widzenia abstrakcji wcielić obiekty na zdjęciu.

Patrząc na te ujęcia, jest o wiele mniej logiki, ponieważ widzimy więcej kolorów i kształtów niż sam obiekt. Fotografia abstrakcyjna skłania do innego spojrzenia na obraz, jego kompozycję, konstrukcję ramy. A jeśli jest wystarczająco dobry, wywołuje pozytywne i jasne emocje, które wpływają na zachowanie i nastrój publiczności.

Podkreślając takie elementy jak kolor, linia i forma, takie zdjęcie oddziałuje na naszą psychikę. Na przykład możemy powiedzieć, że nasz układ nerwowy w różny sposób reaguje na obiekty o różnych kolorach, a także na ich kombinacje. Fotografia abstrakcyjna nie zawsze jednak jest obrazem bezkształtnym i nierozpoznawalnym. Często fotografowie przedstawiają znajome przedmioty lub ich części.

Istnieje wiele kierunków, które są nie mniej atrakcyjne niż abstrakcyjne zdjęcie. Ale oprócz piękna i gładkości kształtów i linii, abstrakcyjne ujęcia są bardzo wygodne i popularne wśród „zamyślonych” fotografów. Abstrakcyjne ujęcie można wykonać w dowolnym miejscu, nie wymaga to długich podróży ani skomplikowanej kompozycji kadru.

Zbudowana na liniach, czyli na grze kolorów i kształtów, fotoabstrakcja nie wymaga zrozumienia różnych aspektów fotograficznych.

W otaczającym świecie jest wiele obiektów, które mogą przybrać ciekawe kształty, które mogą stać się podstawą kompozycji. A linie i kolory są zaprojektowane tak, aby je uzupełniać. Naprawdę interesująca abstrakcja fotograficzna zawsze zaczyna się od dobrego i pięknego kształtu. Nietrudno go znaleźć w większości różne tematy przyjemny i dynamiczny. Nie ma tu konkretnych kryteriów.

Forma, która potrafiła wywołać u fotografa określoną emocję, wywoła tę samą emocję w widzu.

Ważna jest również rola koloru, który przyciąga uwagę człowieka i działa na niego. system nerwowy ekscytujący. Aby stworzyć abstrakcję zdjęć, fotografowie często uciekają się do edytorów graficznych, aby uzyskać najjaśniejszy i najgłębszy kolor malowania.

Innym ciekawym sposobem na stworzenie niepowtarzalnego ujęcia jest kontrast. To ciekawe, ale czasami najzwyklejszy obraz przyciąga uwagę właśnie kontrastem.

Foto-abstrakt jest często ciekawy nie tylko ze względu na formę, ale także linie. Kontrolują ruch oka. Linie można odwoływać się na kilka sposobów, a pierwszym z nich jest kierunek linii do wizualnego środka kadru (tam, gdzie znajduje się potrzebny nam obiekt).

Wręcz przeciwnie, nie kierować ich do centrum, ale przeciągnąć przez cały obraz. Linie wymagają analizy zdjęć, a jeśli nie ma środka wizualnego, nasza uwaga może podróżować w nieskończoność przez cały obraz.

Ale konieczne jest przestrzeganie głównych zasad kompozycji. A im bardziej oryginalna kompozycja, tym efektowniej będzie wyglądało nasze zdjęcie. Jednocześnie abstrakcyjne zdjęcie może nieść nie tylko określone znaczenie, ale także być konceptualne. Wyrażenie pewnej koncepcji świata autora.

Ciekawe publikacje na stronie

Abstrakcyjna praca fotograficzna to rodzaj sztuki fotograficznej opartej na postrzeganiu nie detali i przedmiotów, jak na zwykłym obrazie, ale kształtów, kolorów i linii. Aby nauczyć się postrzegać kolor i formę, fotograf musi oderwać się od zwykłego postrzegania rzeczywistości, co często jest trudne. W artykule opisano metody uzyskania abstrakcyjnej fotografii.

Czym są abstrakcyjne zdjęcia?

Nie ma ogólnie przyjętej definicji fotografii abstrakcyjnej. Trudno zdefiniować coś abstrakcyjnego, więc niektórzy nas pokierują ogólne zasady i załóżmy, że:

• Fotografia abstrakcyjna nie jest tematem w pełnej postaci
• Jej podstawą nie są przedmioty, ale forma, kolor i linie.

Z tej definicji można wyciągnąć bardzo ważny wniosek: skoro mózg postrzega kształt i kolor, a nie przedmioty, logiczne myślenie w odbiorze takich fotografii angażuje się w mniejszym stopniu. Tak więc fotografia abstrakcyjna pozwala oczom lepiej dostrzec kompozycję obrazu, a jeśli jest dobra, powoduje, że człowiek pozytywne emocje. Wiadomo, że emocje wpływają na ludzkie zachowanie bardziej niż logika.

Tak więc fotografia abstrakcyjna, podkreślając formę, kolor i linie, wywołuje reakcję psychiki, która związana jest m.in. z układem nerwowym człowieka. Na przykład dobrze wiadomo, że ludzki układ nerwowy reaguje w taki czy inny sposób na przedmioty o określonym kolorze i kontraście.

Należy zauważyć, że fotografia abstrakcyjna nie zawsze jest czymś nierozpoznawalnym. Bardzo często jest to część przedmiotu lub miejsca znajomego widzowi.

Dlaczego fotografia abstrakcyjna?

Istnieje wiele innych trendów w fotografii, które są nie mniej atrakcyjne niż fotografia abstrakcyjna. A jednak, oprócz piękna kształtów i linii, abstrakcyjne fotografie są bardzo wygodne dla myślącego fotografa. Na piękne krajobrazy i egzotyczne miejsca trzeba podróżować i mieć na to środki, a abstrakcyjne ujęcie można zrobić też na rogu własnego domu.

Podstawowe zasady

Ponieważ fotografia abstrakcyjna opiera się na formie, linii i kolorze, wymaga od fotografa głębokiego zrozumienia tych aspektów.

Formularz

Wszelkie obiekty w otaczającej fotografa rzeczywistości mogą mieć ciekawy kształt. Forma może służyć jako podstawa kompozycji. Generalnie to forma tworzy kompozycję obrazu, a linie i kolor ją uzupełniają. Tak więc dobre zdjęcie abstrakcyjne musi zaczynać się od dobrej formy. Można go znaleźć w przedmiotach dynamicznych, przyjemnych lub po prostu ciekawych kształtem. Nie ma kryteriów wyboru formy. Jeśli jednak forma wywoływała u fotografa emocje i była kompozycyjnie zrównoważona na zdjęciu, to może wywołać taką samą reakcję u widza.

Kolor

Kolor bardzo często przyciąga uwagę człowieka i pobudza jego układ nerwowy. W fotografii abstrakcyjnej kolor można bardziej nasycić za pomocą edytora zdjęć, aby uzyskać najlepszy efekt.

Kontrast

Innym sposobem tworzenia dynamicznych zdjęć jest użycie w nich kontrastu. Rama o bardzo prostej kompozycji przyciąga uwagę jedynie kontrastem.

linie

Linie zawsze uatrakcyjniają fotografię abstrakcyjną. Kontrolują ruch oka. Istnieje kilka sposobów wykorzystania linii. Pierwszym z nich jest skierowanie linii do wizualnego środka obrazu (do środka, w którym znajduje się interesujący obiekt). Na przykład na tym zdjęciu schody prowadzą do wizualnego środka (wzgórze trzech jabłek). Linie te kierują wzrok widza na semantyczny środek obrazu.

Drugim sposobem wykorzystania linii nie jest kierowanie ich do wizualnego centrum, ale po prostu przeciągnięcie ich przez kadr. Linie zawsze zmuszają oko do analizy zdjęcia, a jeśli nie ma środka wizualnego, oko może podróżować przez zdjęcie bardzo długo. Jednak choć dopuszczalne jest stosowanie tej techniki w fotografii abstrakcyjnej, lepiej nie stosować jej w fotografii klasycznej, gdyż psuje ona wrażenie obrazu.

Brytyjczyk Josh Adamski zasłynął ze swojej sztuki fotografii konceptualnej. Urodził się i spędził większość swojego życia w Wielkiej Brytanii, ale obecnie mieszka w Izraelu. Wiele prac Adamskiego koncentruje się na wodzie, ponieważ mieszka w pobliżu plaży i czerpie inspirację z morza. Ważną rolę w jego twórczości odgrywa abstrakcja. Josh przetwarza swoje zdjęcia w edytorach zdjęć, aby były jeszcze bardziej abstrakcyjne i ekspresyjne. Miasto, wybrzeże, parki i skwery – to wszystko tu i teraz z pewnością znajduje odzwierciedlenie w niesamowitych, fantastycznych fotografiach tego autora. Dają nie tylko rozkosz, ale i inspirację.

(Łącznie 29 zdjęć)

1. Josh Adamski urodził się w 1948 roku w Wielkiej Brytanii, gdzie spędził większość swojego życia.

2. Josh interesował się fotografią od dzieciństwa, często błagając ojca o aparat do pierwszych eksperymentów.

4. Dziś nazwisko Josha Adamskiego nazywa się wśród mistrzów współczesnej fotografii, artystów fotografików, którzy nie tylko umiejętnie prezentują swoje prace, ulepszając je cyfrową obróbką, ale także nadają im znaczenie, ideę, duszę.

5. Uważa zdanie Ansela Adamsa „Nie robisz zdjęcia, robisz to” jako swoje motto, które można przetłumaczyć jako „Nie wolno fotografować, musisz zrobić zdjęcie” i specjalizuje się w oszałamiającym, imponującym , fotografia konceptualna krajobrazu miejskiego .

6. Josh Adamsky jest pewien, że zasady tworzenia dobry strzał nie istnieje: po prostu istnieje dobrzy fotografowie, których prace zapierają dech w piersiach nawet wtedy, gdy są wykonywane z lekceważeniem wszelkich obowiązujących zasad.

7. Josh Adamski rejestruje oszałamiające panoramy i przekształca je w dzieła sztuki. Dzieła wizualne w swój niezwykły, abstrakcyjny sposób.

8. Odległe sylwetki dodają intrygi, a płynne linie i rozmycie pewnej części obrazu wprowadzają tajemniczy spokój.

10. Miękkie linie i rozmyte sylwetki nadają pracom atmosferę spokoju, a mistrzowskie wykorzystanie koloru pozwala skierować percepcję widza na zdjęcie we właściwym kierunku.

12. Zdjęcia Adamskiego pozwalają przenieść się do innego świata, który jest pełen nie tylko ciszy i spokoju, ale także szczególnej mocy, która zapiera dech w piersiach i nie pozwala oderwać wzroku od fantastycznych zdjęć.

Ursula Abres urodziła się w Argentynie i wychowała w Chile. Z czasem przeniosła się do Stanów Zjednoczonych, aby studiować na uniwersytecie, a jeszcze później przeniosła się do Kanady na pobyt stały. Nadal mieszka w Kanadzie w Kolumbii Brytyjskiej. To piękna prowincja. Tutaj górski krajobraz jest rozrzedzony duża ilość drzewa, jeziora i rzeki, wodospady, skały i dzikiej przyrody. To miejsce jest idealne na życie Urszuli.

Jest mężatką i ma w rodzinie pięcioro dzieci. Edukacja Ursuli Abres jest związana ze sztuką i historią, ale w ten moment większość czasu poświęca fotografii.

2) Co poprzedza powstanie tak pięknych dzieł?

Głównym zadaniem jest poszukiwanie i odkrywanie tego, co stanowi przedmiot. Są to pewne podstawowe cechy każdego przedmiotu, które pozwalają wniknąć w jego istotę. Ujawnij coś fundamentalnego w temacie. Nie oznacza to, że powinieneś tylko patrzeć na drzewa lub wodę. Chodzi bardziej o percepcję emocjonalną, o nastrój. Ursula lubi myśleć, że wszystkie te rzeczy są abstrakcyjne. Aby mogła je umieścić na obrazie, a jednocześnie zmienia się jej percepcja, zaczyna je widzieć, słyszeć i czuć.

Ponadto, aby stworzyć takie zdjęcia, muszą przynajmniej być życzliwi. Tak jak niektórzy wolą fotografię czarno-białą, portretową lub pejzażową. Musisz pokochać abstrakcję. Wpływa na światopogląd i sposób myślenia. Możesz docenić inne kierunki, ale abstrakcja powinna sprawić ci szczególny dreszczyk emocji. To powinien być powód, dla którego to bierzesz. W rzeczywistości ta definicja jest typowa dla każdego z twoich działań.

3) Przetwarzanie obrazu

Obecnie Ursula Abres fotografuje wyłącznie aparatem cyfrowym i bardzo to kocha. W końcu daje dużo więcej możliwości eksperymentowania, których nigdy nie uzyskasz z kamerą filmową. Technologie cyfrowe dla wielu osób otwierają nowe sposoby wyrażania siebie.

W trakcie fotografowania dowolnym aparatem ostateczna wersja obrazu wciąż nie jest znana. W przypadku tego rodzaju fotografii po prostu nie ma możliwości sfinalizowania obrazu na wydruku lub na monitorze bez użycia Photoshopa lub innego oprogramowania do edycji zdjęć. Drukowanie lub filmowanie obrazu jest ostatecznym celem procesu filmowania, aw świecie cyfrowym nie można tego zrobić bez postprodukcji.

Nawet podczas kręcenia należy pamiętać, że będziesz musiał przetworzyć i wyobrazić sobie możliwy wariant ostateczny obraz.

Niektórzy fotografowie uważają, że użycie złego zdjęcia jako obrazu podstawowego można przetworzyć i przekształcić w arcydzieło. Ale najlepiej, jeśli zaczniesz od dobrego zdjęcia, a potem je edytujesz, aby wydobyć z niego to, co najlepsze. Przetwarzanie końcowe to zabawna część tworzenia ostatecznego obrazu. Sztuczka polega na ustaleniu, jak mało lub ile zmian wymaga dane ujęcie. W końcu bardzo łatwo jest nie sfinalizować, a także przesadzić z przetwarzaniem.

Czasami przetwarzanie jest bardzo szybkie. A czasami obraz w ogóle nie wymaga edycji. Jest piękny sam w sobie bez przeróbek. W innych przypadkach proces może zająć trochę czasu, podczas którego ustalisz, jakie zmiany są istotne dla konkretnego obrazu. Zdarza się, że aby poprawić obraz, trzeba go dość długo obrabiać.

Przetwarzanie obrazu nie jest procesem twórczym. W końcu nie tworzysz rzeczy, ale wydobywasz to, co najlepsze z każdego obrazu. Bez względu na to, jak mało lub ile pracy potrzeba, aby osiągnąć cel.

4) Sprzęt fotograficzny i akcesoria do fotografowania

Ursula Abres wykorzystuje następujące elementy do tworzenia swoich pięknych fotografii:
Kamery: Nikon D7000, Nikon D200, Lumix DMC-TS4 (do spacerów i nostalgii)
Soczewki: Sigma 150mm f/2.8 Macro, Nikon serii E MF 75-150mm f/3.5 zoom, Lensbaby 2.0, Sigma 70-300mm f/4-5.6 APO DG Macro, Tokina AF 12-24mm f/4 DX, Nikon AF 50mm f /1.8.

Akcesoria :
Statyw Vanguard Alta z głowicą statywu Manfrotto 486RC2
Lampa błyskowa Metz 36 AF-5
Torba Kata Light Pic 60-DL.

Oprogramowanie bezpieczeństwo do edycji zdjęć: Adobe Photoshop CS6 i Photomatix na 27" iMac
drukarka Hewlett Packard Photosmart Pro B9180
papier Ursula obecnie preferuje Ilford Gold Fibre.

5) Wskazówki dla początkujących fotografów zainteresowanych fotografią abstrakcyjną

Standardowe porady dla każdego rodzaju fotografii:
Dokładnie przestudiuj swój sprzęt i jego potencjał. Ćwicz jak najwięcej. I dużo eksperymentów.

Pamiętaj też, że aspekty techniczne są bardzo ważne, ale najważniejsza jest Twoja artystyczna percepcja. To właśnie sprawia, że ​​zdjęcie.

Dotyczy konkretnie abstrakcyjny zdjęcia , wtedy bardziej szczegółowa znajomość wszystkich form sztuki abstrakcyjnej przyniesie ci wielką korzyść. Zacznij oglądać i czytać o tym. Uwewnętrznisz ten sposób myślenia i włączysz go do swojego światopoglądu i pracy.

I jeszcze jeden bardzo ważny punkt w fotografii abstrakcyjnej. Polega na tym, że jeśli fotografia jest piękna, to nie oznacza to, że widz zostanie nią nasycony. Zwykle prace abstrakcyjne wykraczają poza zwykłe piękno wizualne. Dominują tu uczucia, nastrój, historia. Niesamowita atrakcyjność wizualna w połączeniu z wyraźnym nastrojem, historią, odczuciem to składniki, które tworzą imponujący abstrakcyjny obraz.